es
un género musical nacido a finales del siglo XIX en
los Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo de todo
el siglo XX.
La
identidad musical del jazz es compleja y no puede ser delimitada con
facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término se use para hacer
referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla
de música clásica), el jazz es en realidad una familia de
géneros musicales que comparten características comunes, pero no representan
individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus
diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como
música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos
de jazz exigen una escucha atenta y concentrada) requieren un ángulo
de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un
profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepción por parte del
público.
Si
bien el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre
ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde
la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del
mundo con un trasfondo muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como
paradigma del jazz la obra de músicos con más éxito comercial, que
los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la
tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma
de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores
innovadores y sus más notables representantes.
A
lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música
de baile popular a una forma de arte reconocida en todo el mundo. Paralelamente
a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música:
en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella
como «el retorno de la música de los "salvajes"», mientras que
en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de
América declaraba al jazz como un «destacado modelo de
expresión» y como un «excepcional tesoro nacional». Se ha señalado que el motor
de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha
estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y
caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más
tradicionalista. Paralelamente a esta dicótoma entre la innovación y la
tradición, el jazz se ha movido entre la obra de unos artistas que
solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y
otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.
Ragtime
Es
una de las primeras formas musicales verdaderamente estadounidenses y una de
las influencias en el desarrollo del jazz. Su principal compositor fue Scott
Joplin, quien saltó a la fama tras la publicación en 1899 del Maple Leaf
Rag, el cual, junto con otros éxitos posteriores, contribuyó a definir la forma
conocida como ragtime clásico, con una armonía, estructura y métrica
particular, en contraste con las formas más primitivas de ragtime caracterizadas
por una mayor flexibilidad.
El ragtime se
origina en las comunidades musicales afroamericanas a finales del siglo XIX,
con la interpretación de las marchas popularizadas por las bandas blancas y
música clásica europea adaptadas a los ritmos sincopados de la música africana.
Los primeros ragtime impresos surgen a mediados del siglo XIX, pero
existen pocos documentos históricos de la fase temprana del ragtime.
La
característica que define a la música de ragtime es un tipo
particular de sincopa en la que los acentos de la melodía se
encuentran entre acentos, resultando en una melodía que parece evitar ciertos
tiempos del acompañamiento al poner énfasis en notas que anticipan o aparecen
después del acento; el efecto final (y deseado) en el oyente es, de forma
paradójica, el de reforzar el acento. Scott Joplin conocido como el «rey del
ragtime» describió tal efecto como «extraño e intoxicador».
Nueva Orleans
los
últimos años del siglo XIX, en medio de las guerra civil que ocurría en los
Estados Unidos, en Nueva Orleans se bailaba al ritmo del vudú. Esto se debe a
que esta ciudad fue el único lugar en todo Estados Unidos en el que se tenía
cierta “flexibilidad” hacia los esclavos africanos, a quienes se les permitía
tocar sus tambores y bailar sus ritmos en la famosa Congo Square (Hoy el Louis
Armstrong Park)
Asimismo
los rituales de vudu eran permitidos y hasta “abrazados” por toda la gente de
la ciudad: blancos y negros, pobres y ricos.
Así,
en medio de todo este ambiente de tolerancia y convivencia es que surge el jazz
de Nueva Orleans, una mezcla entre los ritmos europeos de los habitantes
blancos y los tradicionales sonidos de la música africana
Así,
ese ritmo musical tan propio de Nueva Orleans (y de todo Estados Unidos)
transformó a la ciudad para siempre, dándole ese aire permanente de fiesta, de
música, de alegría.
los
músicos de Nueva Orleans tocaban todo tipo de música y solo una parte de ella
contenía elementos que poco después se convirtieron en jazz primitivo. Había
una especie de música marginal que estaba al borde del jazz. La música que
después comenzó a ser llamada jazz solo se interpretaba
marginalmente, dependiendo del lugar y extracción social donde se tocara.
Estilo Chicago
El
estilo de Chicago Jazz se desarrolló principalmente como consecuencia de la
unión de los músicos afroamericanos que llegaron desde la ciudad de Nueva
Orleans, y de jóvenes estudiantes y aficionados blancos que primero los
imitaban, y luego
comenzaron a tocar con ellos. Esto trajo algunos cambios
importantes, sobre todo en la instrumentación del jazz clásico. Un buen número
de músicos de gran relevancia son representativos del estilo. El sonido se
ajustó a la afinación por influencia de los músicos blancos y se cambió el
estilo de la desincronización propia de la rítmica africana, dando paso al
desarrollo mucho más amplio del concepto de improvisación individual y las
melodías paralelas. Un gran salto para la historia del jazz.
SWING(JAZZ)
La música
swing, también conocida como swing jazz o simplemente swing, es
un estilo de jazz que se originó en Estados Unidoshacia finales
de los años 1920, convirtiéndose en uno de los géneros musicales más
populares y exitosos del país durante los años 1930. El swing utiliza
instrumentos habituales en el jazz, como una sección rítmica formada
por piano, contrabajo y batería; metales como trompetas y trombones; instrumentos
de viento-madera, como saxofones y clarinetes; y muy
ocasionalmente, instrumentos de cuerda como violín o guitarra.
El swing utiliza preferentemente tempos medios y rápidos,
generaliza los riffs melódicos y libera el rol del batería de ciertas
restricciones que había tenido hasta entonces. El conjunto característico
del estilo fue la big band, adquiriendo además cada vez mayor importancia
el papel del solista. Destacan en este estilo músicos como Fletcher
Henderson, Benny Goodman, Duke Ellington o Count Basie.
El
Swing aparece, como estilo, en el momento en que se plantea la crisis económica
de 1929. El Mainstream (Estilo Nueva York), cuya subsistencia es
cada vez más costosa, se comercializa, recibiendo influencias muy fuertes de
tradición europea y del music hall.
La
crítica blanca comienza a valorar los aspectos más asimilables del
jazz, buscando producir una imagen conforme a la normalidad musical occidental.
Lo que estaba en juego en este proceso de dominación económica del jazz por los
intereses comerciales blancos (además, y quizás por ello, de los beneficios que
producía), era la garantía de perpetuación de los mismos mediante toda clase de
presiones sobre el desarrollo de la música: Lanzamiento de modas, de
músicos con carisma, de estilos, de bailes... Se trata, en definitiva, de una
cada vez más profunda colonización, pareja a la popularización del jazz
(que comienza a trascender fronteras) y que llevó a su aceptación por la burguesía
blanca estadounidense, en sus versiones más comerciales, vendidas por la prensa
incluso con la concesión de títulos tan ficticios como el de Rey del jazz,
otorgado a Benny Goodman.(Ortiz Orderigo,1952).
BEBOP
es
un estilo musical del jazz que se desarrolla en la década de los
cuarenta del siglo XX; cronológicamente sucede al swing y
precede al cool o West coast jazz, y al hard bop. Sus
iniciadores fueron Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Max Roach, Bud
Powell y Thelonious Monk.
El bop comienza
a gestarse como consecuencia de la llegada a las orquestas de un gran número de
músicos muy jóvenes, para sustituir a los que fueron movilizados durante la
guerra. Muy pronto, las big bands se desintegrarían, pues los
circuitos comerciales se hundieron tras la guerra, resultando difícil mantener
formaciones de gran tamaño. Como mencionaron Case y Britt, los músicos
comenzaban a dispersarse en una infinidad de pequeños grupos que no podían
continuar con una música que exige grandes formaciones y, en consecuencia,
estuvieron dispuestos a asumir cualquier propuesta, por muy radical que
pareciese en ese momento.
COOL JAZZ
El cool es
un género musical del jazz que se desarrolla durante la
década de 1950; cronológicamente, sigue al bebop y es contemporáneo
del hard bop. El estilo adoptó, muy tempranamente, la denominación
alternativa de West Coast jazz, porque la mayor parte de los músicos que
lo interpretaban estaban establecidos en la costa oeste de Estados Unidos (California,
básicamente). Ello hizo que la denominación cool quedara finalmente
reservada a una parte reducida del estilo, preferentemente al desarrollado en
la Costa Este (Nueva York, Boston).
Este
estilo evolucionó del Bop a fines de los años 40 y a principios de los 50.
Básicamente es una mezcla del Bop con ciertos aspectos del Swing. El estilo
Cool Jazz eliminó las disonancias del Bop, suavizó su tono y redujo los acentos
de la sección rítmica, dándoles un enfoque más suave. Al mismo tiempo se le dio
más importancia a los arreglos. Como la mayor parte de los músicos que
abrazaron este estilo eran de Los Angeles, es decir, de la costa oeste de
Estados Unidos, también se llamó West Coast Jazz. A fines de los años 50 el
Hard Bop de la costa este de EEUU reemplazó al Cool Jazz / West Coast Jazz.
Free jazz
El free
jazz es uno de los estilos o subgéneros propios del jazz. La
expresión se utiliza en inglés, aunque la traducción «jazz libre» expresa
igualmente el sentido del término. En sus comienzos, en Estados Unidos se
conoció como new thing (literalmente la «cosa nueva»).
El bop evolucionó
muy rápidamente durante los años cincuenta y, entre las distintas
maneras de desarrollarse, algunos músicos, entre ellos George Russell y Charles
Mingus, a partir de los conceptos de intuición y digresión, que había anunciado
la música de Lennie Tristano, desarrollaron formulaciones similares a las
que ya se habían dado en la música clásica en los años veinte,
con la irrupción de la atonalidad en el jazz de los años sesenta.
Está
generalmente aceptado por la crítica que, al margen de los antecedentes ya
citados, el free jazz toma carta de naturaleza en 1960, con la
publicación del disco homónimo de Ornette Coleman y su doble cuarteto,
que supone una revolución estilística en el jazz, pero «no
solamente eso, sino una puesta en crisis, una relectura y una superación
virtual de todo lo que había sido el jazz, cuestionando los fundamentos
socio-culturales tanto como su desarrollo histórico».
En
los primeros años sesenta se asiste a una, aparentemente,
irresistible ascensión del free jazz que, paralelamente, recibe una
ingente cantidad de rechazos resumibles en una sola frase: «Esto no es música».
Críticas que, por otra parte, provienen no solo del público o de periodistas especializados,
sino de músicos de jazz, como Roy Eldridge o Quincy Jones. Además
de Coleman, Cecil Taylor, Eric Dolphy y Don Cherry son
los principales iniciadores de esta línea. Pero músicos ya reputados, como el
citado Mingus (Fables of Faubus), o John Coltrane (Ascension),
se apartan de las temáticas tradicionales para concentrar sus esfuerzos sobre
un tratamiento exasperado de la temática sonora, claramente deudor de Coleman.
Jazz
Fusión
n la
música, se denomina al fusión a la "conjunción de dos o más
estilos distintos, para producir una forma única e identificable por separado
de ellos", según la clásica definición de Clayton y Gammond. Se habla de jazz
fusión cuando uno de estos estilos es el jazz. La denominación fue
aplicada por primera vez al jazz por el productor Denis Preston, a
mediados de los años 1960.
Para
muchos autores, toda la historia del jazz es un proceso de fusión con otras
músicas. Ello es especialmente así respecto de las músicas de origen
latino, cuyos impulsos recibió en etapas diferentes y con diversa intensidad.
A
partir de los años 60, la ósmosisse produjo también con otras muchas
músicas de origen diverso: música clásica, folclore de Asia y África,
música hindú y, por supuesto, el rock.
El
gran éxito comercial y la fuerte consolidación de la fusión con el rock
(el jazz rock), ha hecho que, en buena medida, el término Jazz Fusión haya
acabado aplicándose con carácter preferente, aunque no excluyente, a este tipo
de fusión.
Jazz contemporáneo
Tras
los grandes movimientos de fusión que tuvieron lugar en el jazz en
los años 1970 y 1980, las distintas vías abiertas, incluyendo la de la
recuperación de las fórmulas tradicionales del bop e, incluso,
del swing, generaron una vasta escena mundial que, en su conjunto,
denominamos jazz contemporáneo. Dentro de esta denominación se incluyen
corrientes y formas del jazz bien diferenciadas entre sí, con frecuencia
incluidas bajo la etiqueta "Modern Creative".
Desde
mediados de la década de 1970, la ciudad de Nueva York estaba
experimentando una "nueva ola" de creatividad musical, tanto en el
mundo del rock como en el mundo del jazz y la música de vanguardia. La
revolución neoyorquina nacía de diversas raíces, y la cuestión racial era una
de ellas: los músicos blancos lideraban el movimiento, y los músicos negros
habían sido apartados de facto tanto de la escena de la música rock como
de la clásica. El jazz se había cruzado anteriormente con otras músicas
negras -el blues, el funk, el soul...-, pero hasta entonces no lo
había hecho con estilos como el rock o la música clásica de
vanguardia, tradicionalmente dominadas por músicos blancos. La revolución
neoyorquina cambió el orden de las cosas.
Aunque
la mayoría de artistas del jazz contemporáneo valoran la ejecución y la
melodía, no descartan por completo la improvisación, incluso en el ámbito
vocal, aunque a la hora de grabar se centran en un estilo sofisticado y se
alejan del riesgo. Destacan entre otros, los siguientes artistas: Pat
Metheny, George Benson, Norah Jones, Chris Botti, Cassandra
Wilson, José James.
